Je suis loin d’être une groupie mais s’il y a quelque chose qui peut avoir sur moi un effet semblable à celui que peut avoir un vampire particulièrement efféminé sur une jeune adolescente, c’est le groupe marseillais IAM.  Critiquer leur nouveau DVD simplement intitulé IAM– 20 (lancé il y a plus de 2 ans en France! Pourquoi attendre si longtemps avant de l’offrir au Québec?) de manière objective était une partie perdue d’avance mais je me suis malgré tout prêté au jeu.

Le spectacle:

On ne peut demander mieux comme décor: en arrière plan, le désert égyptien, le Sphinx et les pyramides de Giseh. Sur la scène, les six membres du plus important groupe rap français qui, pour célébrer leur vingtième anniversaire, se sont payé un show devant les tombeaux de ces pharaons qui ont teinté l’univers du groupe au fil des ans.

La sélection des pièces est réussie et offre un bon équilibre entre les nouveaux morceaux et les classiques qui ont contribué à la gloire du rap marseillais. Le groupe semble avoir compris que les gens ne veulent pas entendre Revoir un Printemps et c’est tant mieux! La participation au spectacle de l’Ensemble national de musique populaire du Caire ajoute quant à elle à la magie de l’événement et apporte certainement une nouvelle dimension aux chansons du groupe (une performance live, c’est toujours meilleur qu’une p’tite cassette).

Malheureusement, la foule était peu nombreuse : environ 1000 personnes se seraient déplacées. On peut clairement voir des gens sur certains plans qui n’ont rien à battre du spectacle et qui sont dos à la scène. Tous les fans finis comme moi auront le goût d’entrer dans leur télé pour foutre un poing sur la gueule à toutes ces personnes qui ne semblent pas réaliser la chance qu’elles ont. L’ambiance du spectacle est donc loin d’être explosive mais Shurik’n et AKH ont quand même livré une excellente performance.

Les extras:

Le documentaire d’une soixantaine de minutes est aussi, sinon plus intéressant que le spectacle. On y suit IAM pendant la préparation du show et on en apprend beaucoup sur la dynamique qui règne à l’intérieur du groupe. Quand on sait que Freeman a quitté le groupe dans la controverse l’an dernier, on saisit via certains extraits le malaise qui existait déjà entre lui et certains de ses compagnons (à lire aussi: la réponse d’IAM à Freeman).

Les entrevues sont souvent accompagnées d’images d’archives habituellement toutes plus tordantes les unes que les autres. La tronche de champion que nous offre Chill (alors dans la jeune vingtaine) lorsqu’il montre fièrement sa dent en or à un interviewer vaut assurément à elle seule le prix du DVD, tout comme la coupe de cheveux de Shurik’n digne du Fresh Prince of Bel Air.

L’emballage:

Peu de choses à dire à propos de l’emballage de ce DVD si ce n’est qu’il est décevant. Les vingt ans du groupe étaient l’occasion idéale d’offrir aux fans un coffret en bonne et due forme avec un livret accompagné de photos, des pièces inédites, etc. On a plutôt opté pour la sobriété d’un simple livret qui nous indique les crédits des pièces interprétées pendant le spectacle.

En conclusion:

IAM – 20 n’est pas à mon avis le coffret qu’IAM aurait dû offrir à ses fans pour l’occasion, mais il reste cependant un incontournable que tous les amateurs se doivent de posséder pour la qualité du spectacle offert par le groupe. Faîtes pas vos cheaps, sortez le portefeuille!

Il y a peu de choses en ce bas monde sur lesquelles jAy et moi sommes d’accord. Le génie de The Roots est l’une de ces rares exceptions et nous avions tous les deux très hâte de revenir de vacances afin de passer le 9e album du groupe dans notre fameuse moulinette.

Textes

Baston : Black Thought nous livre sur ce nouvel album des rimes à la fois sobres et débordantes de pertinence (vous serez forcés d’aller voir ailleurs si vous voulez des textes qui parlent de se taper des “hoes” ou de sniffer de la colle). How I Got Over traite habilement de l’adversité et la ligne directrice est finement respectée tout au long de l’album.

Sur les premières pièces, les textes sont sombres et teintés de pessimisme comme sur Dear God 2.0. (“Why is the world ugly when you made it in your image?”) alors que How I Got Over, la pièce titre de l’album, est un message d’espoir qui donne le ton pour une 2e moitié d’album beaucoup plus positive (“Out on the streets, where I grew up, first thing they teach you is not to give a fuck, that type of thinking can lead you nowhere, someone has to care”).

jAy : Drôle que la plus grande vedette de The Roots ne soit pas le mc Black Thought mais plutôt le batteur ?uestlove. Le rappeur a pourtant une voix superbe et une habilité naturelle à jouer avec les mots et les mélodies. Pour moi la richesse de How I Got it over vient de la cohésion parfaite que l’on sent entre les rimes de Black Tought et les musiques de ?uestlove.

Production :

Baston : How I Got Over est un retour aux sources en bonne et dûe forme pour le collectif de Philadelphie qui nous offre un album beaucoup plus jazzy que ses prédécesseurs.  Encore une fois, le thème du struggle et son évolution à travers les pièces de l’album est respecté à la lettre: le début du disque laisse place au piano et à des sonorités plus sombres (les ambiances de Dear God 2.0. rappellent d’une certaine façon le Radiohead d’Amnesiac) alors que la deuxième moitié est plus chaleureuse et les pièces sont souvent accompagnées de cuivres et de bois comme sur la magnifique The Day.

The Day:

jAy : Oufff… pas sûr pour le retour aux sources. How I Got it Over ne se compare pas vraiment à Do you want more ?!? ou à Things Fall apart où on sentait que le groupe explorait toutes sortes de directions. Je ne me rappelle pas avoir senti une telle consistance dans la réalisation des précédents albums de The Roots. À l’exception de Web 20-20 (que je trouve insupportable), les ambiances sont toutes très feutrées, presque circonspectes. On est loin de l’exubérance des Proceed, Hot music ou Adrenaline.

Baston : Quand je parle de retour aux sources, je compare surtout les influences jazz, soul et funk de cet album comparativement au 8e album (Rising Down) qui était beaucoup plus « hiphop » au niveau de la production et de la structure des pièces (voir Rising Down, Get Busy, I can’t help it, I Will Not Apologize, etc.)

Originalité :

Baston : The Roots, de part leur sobriété et leur utilisation d’instruments plutôt que de samples, est l’un des groupes qui se démarque le plus de la scène hip-hop américaine. How I Got Over est un album concept qui jouit de la forte direction artistique du collectif. Plutôt que d’avoir l’impression d’écouter 14 singles comme c’est souvent le cas à notre époque, How I Got Over est un album réfléchi du début à la fin qui, à la manière d’un livre, nous raconte une histoire séparée en 14 chapitres.

jAy : Note à Baston : Je pensais que c’était moi le gars sérieux… mais j’aime ton commentaire. J’ajouterais simplement que The Roots n’a pas changé sa recette habituelle, donc pas de surprise.

Baston : The Roots = Serious Sh*t!

Conclusion :

Baston : How I Got Over n’est pas du calibre de Things Fall Apart, le classique de 1999, mais est définitivement plus intéressant que les derniers albums de The Roots. Tant au niveau des sonorités que des textes, ce disque est une véritable bénédiction pour tous ceux qui en ont plein le c*l du hip-hop populaire et de ses 1001 clichés.

jAy : Ouep, je suis d’accord pour dire que Things Fall Apart est dur à battre. Mais il faut reconnaître que, 11 ans après la sortie de ce classique, The Roots a conservé toute sa fraîcheur et sa pertinence. How I got it over est cependant un album plus mature. Je n’hésiterais même pas à le mettre pour accompagner un souper avec mes futurs beau-parents.

Thank me later, le premier album de Drake qui paraît aujourd’hui, est un album décevant. Je n’irais pas jusqu’à dire qu’il est mauvais, mais avec ses mélodies fades et ses ambiances down-tempo ennuyantes, il n’est pas à la hauteur des attentes .

Dommage pour Drake car justement, les attentes étaient extrêmement élevées.

Pétard mouillé ?

Après la sortie de sa mixtape So far Gone en 2009, l’ascension du rappeur canadien s’est faite à une vitesse fulgurante. En fait, on n’avait pas vu un tel engouement pour un artiste hip-hop depuis que 50 Cent a été révélé au monde en 2001 (ce dernier avait alors écoulé plus de 800 000 exemplaires de son Get Rich or Die Tryin’ en une semaine !).

L’espoir le plus prometteur de la scène hip-hop anglophone n’arrive donc pas à renouveler l’exploit qu’il avait accompli avec So Far Gone, c’est-à-dire étonner les amateurs de hip-hop avec un savant mélange de chant, de rap et de beats à la fois originaux et accrocheurs.

À la place, on a droit à un album plutôt linéaire, sans artifice et sans moment fort.

Pas de hits

Ne cherchez pas d’équivalents aux Best I ever had, Forever, Uptown ou I’m going in. Vous n’en trouverez pas. On dirait que Drake a laissé son éloquence tranchante de côté pour miser presque entièrement sur des morceaux langoureux à la limite du kétaine (Karaoke, Shut it down)

Et même si Drake chante bien, ce n’est pas sa plus grande force. Il manque parfois d’aplomb et d’émotion. Tellement que je me dis qu’il aurait dû  laisser le chant de côté pour rapper davantage.

Mais bon, comme je le disais plus tôt, Thank me later n’est pas mauvais. Il y a quand même de bonnes chansons comme Over, Light it up (avec Jay-Z) et Up all night (avec Nicki Minaj) qui nous rappellent que Drake est doté d’un talent extraordinaire.

Une production plus solide lui aurait sans doute permis de mieux le mettre en valeur.

J’adore le mois de mai : le soleil se montre enfin le bout du nez, les terrasses sont ouvertes et habituellement, les Canadiens sont déjà éliminés. Cette année, le mois de mai a aussi été synonyme de grosses sorties sur la scène rock indépendante et pour l’occasion, j’ai cru bon sortir de ma torpeur habituelle afin de partager avec vous cinq albums qui méritent d’être connus par tous nos lecteurs :

1. Broken Social Scene – Forgiveness Rock Record

En 2002, le collectif torontois Broken Social Scene lançait You Forgot it In People, un album encensé par la critique. Beaucoup de temps s’est écoulé depuis: Feist est devenue une vedette internationale tout comme Emily Haines et Jimmy Shaw du groupe Metric. Malgré tout, les collaborateurs habituels du groupe qui comprend notamment des membres de Do Make Say Think, Stars et A Silver Mt. Zion sont de retour et nous reviennent après plus de cinq ans d’absence avec l’album le plus accessible de leur discographie. Les influences post-rock se font toujours sentir, surtout au niveau de la batterie et sur des pièces comme World Sick et Meet me in the Basement, mais l’album laisse clairement plus de place aux mélodies comme sur l’excellente Sentimental X’s mettant en vedette Emily Haines, Feist et Amy Millan. Forgiveness Rock Record est tout sauf un album « fade », quoi qu’en dise mon compatriote jAy qui n’est clairement pas un amateur du genre.

Broken Social Scene – Meet Me in the Basement

Sentimental X’s au Webster Hall de New York avec la toujours très séduisante Emily Haines de Metric

À écouter si vous aimez : The Arcade Fire, Stars, Do Make Say Think, Explosions in the Sky, Godspeed You! Black Emperor.

2. LCD Soundsystem – This is Happening

LCD Soundsystem est le projet solo de James Murphy, co-fondateur du label DFA Records qui nous avait fait connaître entres autres The Rapture et Hot Chip. L’artiste est l’un des pionniers de la vague disco-punk qui a déferlé sur la scène indépendante au cours des dernières années et qui a permis à des milliers de jeunes geeks d’avoir pour la première fois de leur vie le goût de danser dans un show malgré leur flagrant manque de déhanchement. This is Happening est un album qui ne révolutionne rien : Murphy a les pieds solidement ancrés dans la fin des années 70 / début des années 80 et il nous sert sur ce dernier album 9 pièces qui auraient très bien pu être composées à l’époque. L’inspiration est flagrante sur des pièces comme One Touch qui semble sortir directement d’un album des Talking Heads ou sur All I Want qui rappelle certainement la guitare de Bowie. Malgré ses influences peu subtiles, This is Happening est un album exceptionnel qui saura très certainement plaire à tous nos lecteurs qui portent du spandex ou une cravate vert fluo.

LCD Soundsystem – You Wanted a Hit

LCD Soundsystem – Drunk Girls

À écouter si vous aimez : The Talkingheads, Joy Division, New Order, The Rapture, !!!, Hot Chip.

3. The New Pornographers – Together

À l’instar de Broken Social Scene, The New Pornographers est aussi un super-groupe canadien composé entres autres de la chanteuse country Neko Case et de Dan Bejar de Destroyer. J’avais adoré le power pop de Mass Romantic, leur premier album paru en 2000. Depuis, le groupe semble s’être essoufflé d’album en album jusqu’à leur quatrième opus, Challengers, qui avait déçu la plupart des fans. Sur Together, leur cinquième album, The New Pornographers semblent avoir retrouvé une partie de la magie d’autrefois en nous offrant quelques pièces ridiculement acrocheuses. Le disque présente malgré tout plusieurs balades : quelques-unes comme Valkyrie In The Roller Disco sont réussies, d’autres comme Daughter of Sorrow sont de trop et brisent définitivement le rythme de l’album. Together demeure quand même un bon album et devrait pouvoir vous apporter une bonne dose de bonne humeur rose bonbon.

The New Pornographers – Sweet Talk, Sweet Talk

The New Pornographers – Your Hands (Together)

À écouter si vous aimez : Weezer, Ted Leo and the Pharmacists, The Shins.

La suite demain!

Aussi bien l’admettre tout de suite, c’est impossible pour moi d’être objectif en parlant de Reflection Eternal. C’est simple, si j’étais un artiste, je serais Talib Kweli, le rappeur du groupe.

Ceci étant dit,vous pouvez me traiter de vendu, je vais quand même consacrer ce billet à faire l’éloge de Revolution per minute.

La perfection est de ce monde…

Commençons par le plus important : Au micro, Talib Kweli est l’incarnation même de la perfection (je vous le dis !).

Il partage avec Nas, le titre du rappeur qui a le plus beau timbre de voix et le meilleur flow des États-Unis. Plus important encore, ses chansons sont superbes. Il a un don rare de la rhétorique et une habilité inégalée pour composer des rimes aussi fines qu’intelligentes.

(C’est d’ailleurs la raison qui a poussé Jay-Z à lui rendre hommage sur Moment of clarity quand il a rappé : «If skills sold, Truth be told, I’d probably be, Lyrically,Talib Kweli»).

Production minimaliste

Anticonformiste, Kweli a cependant pris l’habitude de poser ses raps sur des sons parfois durs à digérer. C’est encore le cas sur Revolution per minute.

La production de Hi-Tek (l’autre membre du groupe)  est parfois très originale et enivrante (In this world, Midnight Hour), parfois froide et ennuyante (In the Red). Son style minimaliste, quoique très léché, peut plaire comme il peut décevoir.

Un point faible

Le production est donc le point le plus faible de Revolution per minute. Mais entendons-nous, c’est LOIN d’être raté. Juste que Hi-Tek a tendance à composer des musiques un répétitives qui ne sont pas nécessairement faciles d’approche pour les non-amateurs de hip-hop.

Tant pis pour ceux-là me direz-vous, et je serai d’accord avec vous. Mais tant pis aussi pour Kweli qui n’a jamais réussi à obtenir un succès à la hauteur de son immense talent.

B.o.B est enfin devenu une star. Il a été l’artiste qui a vendu le plus d’albums aux États-Unis la semaine dernière avec 85 000 copies écoulées de son album The Adventures of Bobby Ray et sa chanson Nothin on you demeure indétrônable au sommet du palmarès des chansons les plus populaires de l’heure.

Tout cela, je l’avais prédis et vraiment, j’en retire beaucoup de satisfaction.

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Je suis content parce que je me rends compte que mon oreille ne m’a pas trompé, mais je me réjouis encore davantage de constater que B.o.B a été à la hauteur des attentes. Je dirais même qu’avec son premier album, il est sur le point de connaître un départ parfait.

Une recette efficace

La musique de B.o.B est incroyablement accrocheuse. Il a perfectionné une recette sublime qu’il applique à la presque totalité de ses chansons.

Les ingrédients sont simples mais efficaces. Il sert un rap sympathique et enjoué (à des années lumières du gangsta rap) sur des mélodies à saveur Pop. En guise d’accompagnement, il propose des refrains chantés de son propre cru ou concoctés par l’un de ses nombreux collaborateurs (Bruno Mars, Hayley Williams, Rivers Cuomo).

Un nouveau Andre 3000 ?

Avant qu’il ne lance cet album, on comparaît (à juste titre) le style de B.o.B à celui d’Andre 3000 du groupe Outkast. Lui aussi vient d’Atlanta et il ne se gêne pas non plus pour chanter sur quelques uns de ses morceaux (comme sur Ghost in the machine).

Je trouvais que la comparaison tenait la route jusqu’à ce que j’entende The Adventures of Bobby Ray au complet. B.o.B est moins excentrique. Sa voix et son débit ressemblent davantage à celle de Ludacris. Et contrairement à Andre 3000, sa musique tend davantage vers la Pop que vers l’électro-funk.

Ça ne l’empêche cependant pas d’être dans un classe à part.

Amère déception…

The Adventures of Bobby Ray ne contient pas beaucoup de défauts mis à part qu’il est court (11 titres plus un remix) et qu’il donne parfois l’impression d’être un peu trop léché.

J’aurais aimé entendre plus de vraies percussions et peut-être un peu de guitare acoustique (puisqu’il semble que c’est un instrument avec lequel il se débrouille bien).

Vous avez toutefois compris que j’ai été impressionné. Ma seule véritable déception (et elle est de taille) vient du fait que I’ll be in the sky, son premier extrait officiel, ne figure pas sur l’album. Pourquoi ?!? Je déteste quand les artistes font ça. Moi au moins je vais vous l’offrir en bonus.

De Insane in the brain à Rock Superstar en passant par Tequila Sunrise, Cypress Hill a depuis longtemps perfectionné l’art de fusionner le hip-hop et le rock. Avec Rise Up, leur huitième album en plus de 20 ans de carrière, ils reviennent à la formule qui leur a permis d’écouler 18 millions d’albums à travers le monde.

Au menu : rap sauce latino-américaine boosté à la guitare électrique et parfumé aux herbes illicites… On passe tout ça à la moulinette :

Production :

jAy : J’ai été très surpris de constater que c’est B-Real qui a pris les commandes de la production de Rise UP en participant à la réalisation de la moitié des chansons. DJ Muggs, le principal compositeur des derniers disques de Cypress, a été relégué à un rôle de figuration alors qu’il co-produit deux titres. Le résultat est généralement moins sombre que ce à quoi Cypress Hill nous a habitué. C’est même très énergique.

Malgré la présence de plusieurs producteurs aux horizons divers (Jim Jonsin, Jake One, Tom Morello, Mike Shinoda, etc.), le résultat reste cohérent et même franchement réussi. La combinaison rock/hip-hop fonctionne encore très bien.

Baston : La production de Rise Up est effectivement très bien réussie même si j’ai toujours détesté le courant nu-metal et les chansons Hip-Rock presqu’autant que la face de Fred Durst. Les collaborations sont toutes excellentes mais sont, à mon avis, les chansons qui fonctionnent le moins bien. Le style des collaborateurs y prend  trop de place … comme si Cypress Hill avait de la difficulté à imposer son propre son face à ces géants de la scène rock californienne (Linkin Park, System of a Down et Rage Against the Machine).

jAy : Drôle, moi j’ai trouvé les collabos très réussies, particulièrement celles avec Tom Morello et Mike Shinoda. C’est de Mark Anthony dont je me serais passé…

Trouble Seeker – Cypress Hill feat. Darok Malakian de System of a Down

Rise Up – Cypress Hill feat. Tom Morello de Rage Against the Machine

Textes :

jAy : B-Real et Sen Dog n’ont jamais été reconnus comme étant de grands auteurs. Leur amour du weed a toujours été leur sujet de prédilection et ils l’exploitent encore abondamment sur Rise Up. L’album porte toutefois bien son nom car il contient tout de même plusieurs morceaux inspirants qui, sans pousser l’auditeur à la révolution, lui donneront au moins envie de se lever et de bouger un peu.

Baston : « Bam Bam Bam Bam, Jump Jump Jump Jump … ».  Les paroles de certaines pièces de Rise Up se rapprochent plus de Kris Kross que de Beaudelaire mais peu importe : B-Real pourrait rapper le dictionnaire et bien paraître malgré tout!  Il est sans contredit l’un des meilleurs mcs américain avec sa voix et son flow incomparables.

jAy : Ishhh, peut-être le rappeur avec la voix la plus distinctive, mais je ne serais pas prêt à dire que B-Real est «sans contredit l’un des meilleurs mcs».

Originalité :

jAy : Même si Cypress Hill reprennent une formule maintes fois éprouvée, reste qu’on sent une bonne évolution à travers leur parcours. Rise up n’est peut-être pas si différent de leurs albums précédents mais il a tout de même le mérite de se démarquer dans le paysage hip-hop actuel qui est, disons-le, plutôt morne.

Baston: Rise Up offre une belle diversité à travers ses 15 pièces mais n’offre absolument rien de nouveau à ses auditeurs fidèles. On ne trouve que du réchauffé sur cet album et c’est peut-être tant mieux : c’est du vieux stock, mais c’est bon!

Verdict final :

jAy : J’ai beaucoup aimé Rise Up et je le recommande sans hésitation à ceux qui sont capables d’écouter de la musique à la frontière du rock et du hip-hop. Pour les autres, pourquoi avez-vous lu la critique jusqu’ici ???

Baston: La plupart des artistes ralentissent après deux décennies d’existence où décident de faire des albums expérimentaux mais ce n’est pas le cas de B-Real et Sen Dog. Sur ce nouvel album, ils nous offrent du bon vieux rap fortement inspiré du rock comme ils l’ont toujours fait. Si vous aimez Cypress Hill, vous aimerez Rise Up.

Belmundo Regal le deuxième album du groupe électro hip-hop acadien Radio Radio est sorti le mois dernier. Un mois, c’est le temps qu’il a fallu au Smog pour se décider d’y prêter l’oreille et de finalement le passer à la moulinette. Que voulez-vous, même si c’est franchement sympathique, le rap en chiac, ça fait tout de même un peu peur…

Production

jAy : La qualité de la production est la GRANDE force de cet album. Le moins que l’on puisse dire au sujet de la musique de Radio Radio, c’est qu’elle est entraînante et joviale. On a envie de bouger la tête sur toutes les chansons. C’est électro mais ça demeure accessible, un peu à la Daft Punk. Pas trop de bruits bizarres, ni de sons agaçants.

Baston : Malgré son manque flagrant de connaissance en matière d’électro, force est d’admettre que jAy a raison sur toute la ligne : on trouve sur ce nouvel album de Radio Radio une production d’une qualité rarement égalée sur un album de rap franco-canadien. Belmundo Regal nous offre 48 minutes 30 secondes de gros beats électro qui débutent en force avec les surprenantes lamentations de Cargué dans ma chaise et qui se terminent en beauté avec une magnifique pièce instrumentale, L’Épopée de Belmundo.

Seul bémol à apporter : l’évolution du groupe vers un son plus électro qui m’a légèrement déçu mais qui devrait plaire au grand public.

jAy : Pfff… mon «manque flagrant de connaissance en électro». Pas besoin d’être calé en électro pour apprécier Radio Radio. Au contraire, c’est l’accessibilité de  leur musique que je voulais mettre en évidence. Prêtez une oreille aux voix hypnotisantes qui constituent le fond sonore de Cargué dans ma chaise et vous allez comprendre.

Radio Radio – Cargué dans ma chaise :

Textes

jAy : «Custom officer est là pis y tripe, y voit mon 9 piece luggage set custom fit»…. hahaha ! Les paroles que l’on réussit à comprendre sont très divertissantes. Il faut cependant être attentif pour tout capter parce que ce n’est pas toujours facile.

Baston : On écoute certainement pas Belmundo Regal pour la profondeur des textes du groupe et c’est parfait ainsi. Plus souvent qu’autrement, les MCs disent n’importe quoi et on comprend fuck all. Malheureusement, la livraison laisse parfois à désirer et le départ du MC Timo fait très certainement mal à ce niveau puisqu’il était l’un des deux seuls membres du quatuor qui savait rapper.

Radio Radio – 9 Pice Luggage Set

Originalité

jAy : Un groupe qui fait de l’électro hip-hop en chiac c’est assez unique non ?

Baston : « Le gangster, oh oui t’es gangster! Pimp chain, B.B. Gun dans les vidéos. Cadillac avec un corps où? Dans l’coffre! Qui sert la main du flic, ça c’est chic, original! Le seul qui pense à faire ça, ouuuuhh regardes-ça! » – Radio Radio, Cliché Hot. Malheureusement, le rap, particulièrement celui fait au Québec, a beaucoup de difficulté à se renouveler. Un groupe comme Radio Radio est un véritable vent de fraicheur sur une scène qui bien souvent sent plus le renfermé que les petites culottes d’une sexagénaire.

Verdict final

jAy : Belmundo Regal est un disque drôle, sympathique et léger. Il est à mon avis meilleur que Cliché hot, leur précédent album, notamment parce que la production est plus aboutie et plus soignée. Je me demande par contre s’il aura une longue durée de vie dans mon iPod. Les paroles sont amusantes mais il faut davantage de profondeur pour conserver mon attention.

Baston : J’ai personnellement préféré Cliché Hot à Belmundo Regal notamment puisque les influences hip-hop étaient mieux senties, mais le nouvel album devrait plaire à plus de gens. Supportez l’Acadie! À 9,99$, vous êtes cheap en sale si vous décidez de lever le nez sur cet album!

Vous vous souvenez quand l’album In between dreams de Jack Johnson est sorti en 2005 ? On l’entendait absolument partout. Et franchement, ils étaient rares ceux qui ne se laissaient pas charmer par cette musique joviale et chaleureuse. Moi c’était mon disque préféré des dimanches matins. Vous savez le genre de chose qui contribue simplement à vous mettre de bonne humeur pour le reste de la journée.

J’ai eu le même sentiment en écoutant Better in times le premier album du montréalais Bobby Bazini. C’est de la musique qui fait du bien.

La comparaison avec Jack Johnson s’arrêterait à peu près là si ce n’était de l’omniprésence de la guitare acoustique. Pour le reste, les deux chanteurs ont des voix très différentes et Bazini fait davantage dans la balade langoureuse et romantique.

Le genre lui va d’ailleurs très bien même s’il ne le réinvente pas. C’est que le jeune chanteur a la chance de posséder un timbre de voix qui lui donne un charme redoutablement efficace. Il est chaud, suave et il rappelle étrangement celui de Cat Stevens.

Ce n’est donc pas pour rien que Better in time trône au sommet des palmarès de vente québécois depuis deux semaines. Il est facile de se laisser prendre au jeu et de succomber à la musique douce et agréable de Bobby Bazini.

J’ai écouté Diaspora quelques fois d’un bout à l’autre depuis qu’il est sorti mardi dernier. À chaque fois j’en viens au même constat : je préfère le Sat de la Fonky Family que le Sat en solo. Je le trouve plus hargneux et autrement plus convaincant.

Le son de Sat est fortement influencé par la culture hip-hop américaine.  C’était déjà le cas sur son premier album solo et c’est encore très évident sur son nouvel opus.

Mais malheureusement, plutôt que de simplement s’inspirer de ce qui se fait aux États-Unis (comme bien d’autres le font) Sat semble vouloir le reproduire à la façon marseillaise. Ça ne lui va pas bien du tout. La ridicule introduction auto-tunée de Dans mon barillet en est un exemple plutôt navrant.

L’effort de Sat de réunir uniquement des artistes originaires de sa ville natale pour en faire un projet essentiellement marseillais perd donc rapidement de son intérêt. La saveur méditéranéene  n’y est tout simplement pas.

Ainsi, même s’il est bien produit, Diaspora souffre d’un manque d’originalité assez flagrant. Même le grand Akhénaton paraît peu inspiré sur Plus que de la musique, le premier single de l’album.

Les rimes molles et prévisibles de Sat font d’ailleurs rarement mouche. Il faudrait qu’on m’explique ce qu’il veut dire sur Le hood quand il chante «Le hood c’est le hood, le quartier c’est le ghetto»… Vous comprenez vous ?

Bref, je ne dirais pas que Diaspora est un mauvais album mais il est très certainement ennuyant. Une chose est sûre, il ne restera probablement pas longtemps dans mon iPod. Un véritable album américain le détrônera sans doute assez rapidement.